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BROSS TOKYO STAFF DIARY [Bross]

Brave Men of the Asura

Yuta Hoshi

16 November, 2015 ? 31 January, 2016

Opening night reception: 16 November, 19:30 ? 21:30

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[コピーライト] Yuta Hoshi,?Untitled, 2015. Inkjet print, size variable.

2010年の冬、東京の中目黒にあるBrossヘアサロンの中に設置されている、建造された空きコンテナについて興奮して語る友達から電話がきた。「凄く気に入ると思うよ。」と言う。勿論、次の週にその気に入るはずである謎のコンテナを見に行き、そしてBrossヘアサロンのオーナーホシユウタ氏に出会った。私はコンテナに惚れ込み、ヘアサロン内の彼の建てたコンテナと同様に、面白くて興味深いホシ氏の気楽で想像的な人格に魅かれた。その後は勿論、歴史となる ? 少々の説得の後にホシ氏は、サロンへのインテリアデザインの一部として彼自身でデザインし建てた空きコンテナにて、私にギャラリーを開設させてくれると承諾した。その偶然の出会いがThe Containerと2011年3月の初回展覧会の誕生を記した。

約5年後に、ホシユウタ氏とのコラボレーションは、それぞれ興味のある事柄やコンテンポラリーアートを好む共通した理解と友人関係へと発展した。時間と共に私はホシ氏が素晴らしいヘアスタイリストだけではなく、彼自身の上でアーティストである事が分かっていった。髪を切らない時、彼はサロンの裏で人像を彫刻し、絵画や、服飾デザインや、写真や、新しいインテリアデザインのアイディアを構想する。実際に、サロンその物のデザインから、周りに散りばめて置かれている工芸品、そして空間を飾るポスターまでの、サロン内で目に入る全ての物は彼の手による結晶だ。

ホシ氏はアーティストとしての教育を受けてはいないが、アート制作無くしてはアートが彼の人生その物である為に人生が成り立たないという、真のアーティストとしての本質の精神を包括する。私はキューレーターとして、いつも「アウトサイダー」アートというアカデミアや美術史、そして流行りに縛られない純粋な形のアートに興味がある。抑え込む評論家や理論家を中心とするアーティスト活動とは正反対な、「アート制作」の為に創られるアート。ホシ氏と私は数年前からThe Containerで彼自身の作品を展示する機会について話し合っており、彼のインスタレーションを我々のスペースで展示する事を嬉しく思っている。

Brave Men of the Asura(阿修羅の勇敢な男達)はThe Containerを伝統的な日本の寺に塗り替えるというミクストメディアインスタレーションである。このインスタレーションの焦点は、ヒンドゥー教神話の神の阿修羅から発想を得た木像彫刻「デミゴッド(半神)」。人像は6本の腕を持ち、ホシ氏が数年前に彼自身の体を彩る為に彫ったという、伝統的な日本刺青で飾られている。それゆえ、ホシ氏とこの彫刻は、ホシ氏を神格像と見せる反転的な試みによるセルフポートレート制作の為に、同じ模様で印されている。この寺自体は、強い日本伝統的な宗教図像学の原物と現存物そして新しく創られたオブジェクトによって謎に包まれつつも、宗教や宗教的団体に属さない寺 ? 個人的な祈りや瞑想への精神的な場所と環境を作ろうとしている。

黒と白の抽象的なデザイン、稲妻又は混沌の追憶を意味する、彫刻背後に投映されたビデオプロジェクションは人生の始まりを現しており、神の感覚を深めて精神的経験を昂める。

当展覧会のタイミングは祭日時期や光と冬の祝いと合わせて企画された。そして当展覧会は日本暦で最も大切な、家族と過ごし祈りや内省をする行事の新年に重なるまで開催される。ホシ氏とインスタレーション制作を疲労無く手伝う熱心なサロンスタッフである「助手軍」は、自己反省の空間であるが全体的に人間性の本質の熟考への場を創り出した。

展覧会へのタイトルBrave Men of the Asura(阿修羅の勇敢な男達)は、父親が息子達へ父として導く役割を果たす事と同じ様に、指示による戦闘力を持つという阿修羅を王又はリーダー的存在と示すRigvedic(リグ・ヴェーダ)詞から引用した言い回しの事である。


In winter 2010 I received a phone call from a friend who excitedly described an empty constructed container that was housed inside of Bross hair salon in Nakameguro, Tokyo. “You are going to love it,” my friend said. “We should go there together so you can check it out.” Indeed, the following week I was on my way to see this mysterious container I ought to love and met with the owner of Bross hair salon, Yuta Hoshi. I did love the container and was charmed also by the?easygoing?and creative disposition of Hoshi who seemed to be as interesting and as exciting as the container he built inside of his hair salon. The rest, of course, is history ? after a bit of persuasion Hoshi agreed to let me open a gallery at this empty container, which he designed and built himself, as an interior design element for his salon. That chance meeting marked the birth of The Container with an inaugural exhibition in March 2011.

 

Nearly five years later, my collaboration with Yuta Hoshi evolved also into a friendship and a mutual appreciation of each other’s interest and fervor for contemporary art. With time, I grew to understand that Hoshi is not only an amazing hair stylist but also an artist in his own right. When he doesn’t cut hair he sculpts figures at the back of the salon, or paints, or designs clothes, or takes photographs, or dreams new interior design ideas. In fact, everything one would see inside the salon, from the design of the place itself, to the artefacts that are scattered around, to the posters that decorate the space, are the fruits of this man’s hands.

Hoshi is not trained as an artist, but he embodies the quintessential spirit of a true artist, one who cannot go about his life without making art, where art becomes life itself. As a curator,?I have always been interested in “outsiders” art, free of academia, art theory, or trends ? art in its purest form. Art that is created for the sake of “making art”, as opposed to artistic exercises that centre on appeasing critics and theorists. Hoshi and I have been discussing now for a couple of years an opportunity to host his own art at The Container, and I am delighted to show his installation at our space.

Brave Men of the Asura?is a mixed media installation that sees The Container converted into a contemporary Japanese temple. The focus of the installation is a wooden sculptural “demigod” inspired by the Hindu mythological, Hindu divine being, Asura.?The figure bears six arms and is adorned with classical-inspired Japanese tattoos that Hoshi painted a few years ago to decorate his own body. Hence, the sculpture and Hoshi are marked with the same designs in a subversive attempt to create a self-portrait, presenting Hoshi as a figure of divinity. The temple itself, although riddled with original, accustomed, and newly built objects of strong traditional Japanese religious iconography, attempts to create a temple that is free of religious or sacred affiliations ? a spiritual site and environment for personal prayer and meditation.

The video projection at the rear of the sculpture, a black and white abstract design, reminiscent of thunder or perhaps chaos, symbolizes the beginning of life, and enhances the sense of divinity and a heightened?spiritual experience.

The timing of this exhibition has been designed to coincide with the high holiday season and the celebration of light and winter. The exhibition also extends to overlap with?the new year ? the most important holiday in the Japanese calendar, an occasion for reflection, prayer, and time well spent with one’s family. Hoshi and his “army of helpers,”?the dedicated staff?at the salon who worked tirelessly to help him to create this installation, created a site of introspection?but also a place for deliberation on the essence of humankind as a whole.

The title for the show,?Brave Men of the Asura, is an idiom borrowed from Rigvedic poets to denote Asura as a type of lord or leader who has a fighting force under his command, similar?to the paternal guiding role a father has with his sons.





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BROSS TOKYO STAFF DIARY [Bross]

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The Container [Bross]

A few light taps upon the pane, no one turns, no reply

Suzanne Mooney

27 July - 11 October, 2015

Opening night reception: 27 July, 19:30 - 21:30

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[コピーライト] Suzanne Mooney, A few light taps upon the pane, no one turns, no reply (detail), 2015. Photographic Image?Image??UV direct print on acrylic panel, 160 cm x 120 cm.

アーティストが風景画に興味を持つようになったのは比較的新しい動きと言える。紀元前1500年頃までは風景画の作品は極僅かであった。それが17世紀、オランダ黄金時代の絵画の時代にジワジワと増え続け、ロマン派時代に瞬く間にブームとなる。カメラが発明されてから全てが変わったのは言うまでもないが、ボタン一つで見たものをそのまま再現できる技術にアーティストらは戸惑い、結果、風景画が主となる印象派時代に突入することになる。アーティストらは戸外制作を行い、光の質や色の特徴を今までにないやり方で試みた。

 

アートとしての写真の世界でも、風景にあらゆる面で執着した。構成や形に重点が置かれ、人間が排除された。私が最初スザンヌ・ムーニーの作品に惹かれたのは、人物が写ることでその風景のバランスが崩れてしまう写真が多い中、彼女の写真には一切そういったことがないからではないかと思う。彼女の写真はレンズを風景に真っすぐ向け、まるで間違えたかのように人物が写っている。その人物は、端に小さく写っている場合もあれば、中央の場合もあるが、写された人物は写真の焦点となることがない。間違っても人物写真とは呼べない、例え写真家自身のシルエットが写真の大半を占めていても。(「Come Away, O’…」, (2012-2013) ? 風景が必ず作品のスターなのである。

東京でアイルランド出身のムーニーに始めて出会ったのは、数年前に遡る。彼女がまだ多摩美(東京、多摩美術大学)の博士課程で東京の鳥瞰図を撮っていた頃だ。大都市の景観や現実という概念の思想についてカジュアルな話しをしていく間に、作品を見ずとも彼女の写真に大きく興味を持ったことを覚えている。

彼女の作品を実際に見た時、私は期待を大幅に上回る衝撃を受けた。ユニークな感覚による見事な精密さ、息をのむ程の構成力、そして一つの写真の領域を遥かに超える多重に重ねられた表現力がそこにはあった。彼女が持つディテールへの愛と細部まで追求するパーフェクションを経て、完璧な作品が生み出されていた。情報社会の今日、スマートフォンで高画質の写真を日々撮れるようになった我々も、ムーニーの作品から学べる事が一つや二つあるのではないだろうか。

東京の景観は時にその壮大さに圧倒されてしまうが、ムーニーが写し出す東京はそれを覆すものだ。密接した建物や高層ビルが立ち並ぶ中、世界中どこにでもある、人の普通の生活が描写されている。写真の激しい美しさが人の目を引きつけるが、ひっそりと佇む人物の存在によってどれも哀愁漂う詩的な作品として完成されている。

また、ムーニーの作品に魅了されたのが私だけでないことをとても嬉しく思う。博士課程を終了してからというもの、彼女は多くの名声を浴び続けている。つい先日、イギリスで開催されたAesthetica Art Prize 2015を受賞したばかりだが、2015-2016年度の小金町アーティストインレジデンスにも選ばれている。

1年以上前にもムーニーの作品をThe Containerの展示会に置かせてもらった。彼女の東京の捕らえ方と彼女が当時試していたアクリル判への印画に大変魅力を感じたからだ。今回はそれらの作品の透明感と、彼女の少し前の作品集でLEDのライトボックスを使ったものにとても興味を持った。池袋サンシャインシティからの東京の景観を360度写した作品もその一部だ。(「Tokyo Summit A」 (2012)) キュレーターとして、狭くて暗いThe Containerで写真を展示することに戸惑いはあったが、The Containerを等身大の巨大ライトボックスに作りかえてしまうと言うムーニーの案に大きく創造力を掻き立てられた。

その後、数ヶ月に渡り展示する作品について話し合いを重ねた。東京を長年上から撮る事ばかりしてきたムーニーだが、新しい目線からの写真に挑戦することで合致した。今回の展示会に向けて、二人のイメージはぴったり合っていたのだと思う。

ただその数ヶ月後、展示会についての話し合いの場で、ふとムーニーが数年前にダブリンで撮った写真を見せてくれた。それらには2008年のアイルランドの国家破綻後、建設途中のまま手つかずになった多くの建物が写っていた。その内の一枚が特に興味深かった。完成イメージが描かれた工事シートが覆い被さるスケルトン状の建物だ。現実を必死に隠そうとしているそのファサードは、東京の煌びやかなビルの下に垣間見える現実と大して違わないのではないだろうか。

「A few light taps upon the pane, no one turns, no reply」 (2015) は、The Container特定の新しいインスタレーションであり、スザンヌ・ムーニーの最新作だ。直接印画された巨大なアクリル判がThe Containerを大きく2つに分け、透明と不透明の部分に分かれるイメージに後ろから光を当てることで来場者のシルエットが作品の一部になるようデザインされている。この作品と共に東京のライトボックス及び2010年から2011年に撮影された「Walking in the City」 からの作品を一部展示する。


Artists’ interest in landscape is a relatively recent phenomenon. Before 1500 BCE there are very few examples of actual landscape works. This interest took a real turn only as recently as the 17th century during the Golden Age of Dutch painting and bolstered during the Romantic period. Everything changed, of course, after the invention of the camera, with many fine artists perturbed by the new machine that could “create a likeness by a press of a button,” and as a result, gave birth to Impressionism, which made landscapes the main focus of many works? painting outdoors and investigating light and colour, in ways artists never explored before.

 

Photography in itself, as a form of art, became very landscape obsessed, with many photographers making “pure landscapes” where the emphasis is on forms and shapes, and lacks the presence of humanity?depictions that often take documentative impressions of our surroundings. Perhaps, this is what drew me first to Suzanne Mooney’s photographic works, where often the landscape is intervened by human presence. In her works, Mooney directs her lens onto a landscape, but often, almost by mistake, one can spot a figure?sometimes at the edge of the frame and other times more centrally, but never as the focus of the works. You can never call it portraiture photography, even when her own silhouette occupies half of the frame (as in?Come Away, O’…, 2012-2013). The landscape is always the real star.

I met Mooney, an Irish national residing in Tokyo, a few years ago, while she was still working on her PhD dissertation at Tamabi (Tama Art University in Tokyo, Japan), focusing on bird’s eye views of Tokyo. Casual conversations we had about urban landscapes, viewing planes of a city, and philosophical interpretation of what may comprise a reality, piqued my interest in her works, before I even got to see any of her photographs.

Seeing her works, though, was a revelation?it was her unique ability to interpret a space with admiring precision and accuracy, breath-taking compositions, and layers upon layers of references that extend well beyond a simple photographic depiction. Her technical love for detail and her unforgiving fixation with perfection produce photographs that are apt and faultless. I suppose that especially nowadays, in our information era, where everyone snaps high-resolution photographs regularly with their phone cameras, Mooney can teach us all a lesson or two about photography, as an art form.

The urban landscape of Tokyo is overwhelming in its vastness, but Mooney’s interest in everyday activities of passers-by breaks the anonymity that Tokyo is so famous for. It is the realization that behind the dense scenes of buildings, skyscrapers, and architectural features, real people live, work, and go about their lives as normal, as you would expect of anyone else in the world. It is those intense and beautifully framed sceneries that capture the attention when one sees her photographs, but it is the subtle presence of humans that make them poetic and elegiac.

I am delighted I am not the only one to have notice and appreciate those elements in Mooney’s works. Since her completion of her PhD programme she has gone from strength to strength. Recently, she has been announced as a winner of the Aesthetica Art Prize 2015 in the UK and also has been selected in Japan to participate as artist-in-residence in Koganecho, Yokohama, 2015-2016.

Over a year ago I invited Suzanne Mooney to show at The Container. I was taken by her depictions of Tokyo and by a new process she was experimenting with at the time?direct prints on sheets of acrylic. The transparency of those images, and previous works she created with LED illuminated light-boxes, including a 360 degrees impression of Tokyo’s bird-eye view, shot from the Sunshine City building in Ikebukuro (Tokyo Summit A, 2012) triggered my curiousity.? Although as a curator I am fond of photography, I was always shy of showing photographic works at The Container, as the space is so small and dark, but Mooney’s proposal to convert the entire space into a life-size light box, using her direct printing technique on acrylic sheets, really captured my imagination.

Over the following few months we had many conversations about the image we should select for the exhibition. Mooney, after years of photographing Tokyo from above, developed an interest in exploring Tokyo from a new plane, and we discussed various locations in Tokyo that she was interested in. I think we were both quite set on the kind of imagery we wanted for the exhibition.

A few months ago, however, while we were meeting to discuss the exhibition, she shared with me a series of seemingly unrelated images she shot a couple of years ago in Dublin. They were all portrayals of incomplete buildings in Dublin where the construction abruptly stopped following the collapse of the Irish economy in 2008. One image, in particular, seemed very fascinating ? a skeleton of a building concealed behind tarpaulin printed with the image of what the building would have looked like when complete. A facade: an effort to conceal the reality, and not unlike her Tokyo images of dense shiny buildings where a closer inspection reveals a subtle new reality.

This new image seemed exceptionally suitable for The Container show, as the deteriorating printed tarpaulin reveals the unfinished building behind it. We both felt that the image would echo well the unrefined construction of the container itself, and theoretically still maintain the same interest we were both fixed on exploring for this show.

The new site-specific installation at The Container,?A few light taps upon the pane, no one turns, no reply, 2015, (a play on a quote from James Joyce’s Dubliners), is Suzanne Mooney’s latest work. The installation sees a large photographic image in direct print on an acrylic pane that divides the physical space of The Container in two. The image is partially transparent and partially opaque, and back lit, allowing the visitors’ silhouettes to become part of the work itself. Along with this new work we are exhibiting also some of Mooney’s light boxes of Tokyo, including selected images from her series?Walking in the City, from 2010-2011.





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BROSS TOKYO STAFF DIARY [Bross]

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The Container [Bross]

In dwam

 


Risa Tsunegi


13 April – 29 June 2015


Opening night reception: 13 April, 19:30 – 21:30


Tsunegi_installationview2.jpgwall Dance,Risa Tsunegi,2015.Mixed media,approx 170 × 120 × 17 cm. 

常木理早の作品は、60年代と70年代のアメリカのミニマリスト運動から大きく影響されています。 それに加え、ポスト抽象表現主義のエスセティックの影響も窺うことができます。 数多くのポスト抽象表現主義のアーティストのように、彼女の造る作品は一般的な姿を拒み、形のフィジオロジーに焦点を置きます。 彼女の作品に見る、形、重さ、重力、建物の空間を分割するような作品のあり方は、一見、アメリカ人彫刻家リッチャード・セラの作品を思い起こさせます。 しかし、彼とは違い、常木は驚きと欺瞞をテーマとします。 目で見える物が真実とは限りません。常木は、幻想を作り出す魔術師のようです。 2009年の作品<ガーダー>の、重力に逆らうように空中に浮かぶ500センチの鋼のビームは、まさに魔術のようです。 この重たい鋼の柱は、あたかも動画の静止画のように時間が止まっているように見えます。常木がどうやってこの柱を時空に浮かばせたのかは、いくら見ても、分かりえないでしょう。 鋼に見える柱が実はフォームでつくられていて、コンクリートの地面に直面する角が実は地中に続く柱のサポートになっているのが、ツネギの魔法の秘密です。同じく構造されているのが、彼女の2010年の作品<ドリップス>です。 鋼のフレームから垂れ下がるペンキの雫が、落ちる前の一瞬を永遠に止 め、保った作品です。また、この作品も<ガーダー>のように、ペンキはスポンジを使ってつくった作品です。 


視聴者を惑わしていないのであれば、常木の作品は視聴者に空間の構造を尋ねています。 視聴者に新しい空間の見方を主張しているかのようです。


今回のザ・コンテインナーで展示する作品<In dwam>では、コンテナのサイズと空間を利用し、新しい空間とイルージョンをつくりま す。 インスタレーションは、<ウォール・ダンス>というミックスド・ メディアでつくられた壁と柱の構造と<アタッチメント>という天井からぶら下がる小さな彫刻の二つの作品です。


<ウォール・ダンス>(170x120x177cm)は、タイル張りの壁の中心にコンテナの天井から地面へ柱が突き刺さっている作品です。 一見すると、この作品は後ろの壁へと繋がるようであり、石膏で造られているように見えます。 しかし、よく見てみると分かるのが、壁が実は奥に向かっていくにつれカーブし、ハンドメイドの石膏製タイルで覆われた、フォームで形成された土台だということが分かります。 一見頑丈な構造も、映画の撮影現場のようにフェイクな模造でしかない幻想ということが明らかになります。


<アタッチメント>(25x5x120cm)は、天井からさがるコードの立体作品です。これは、コンテナという展示スペースの建築構造を主張するための作品です。


常木理早は、群馬出身のアーティストで、ロンドンのChelsea College of Art and Designでファイン・アートの学士を取得してから、 Glasgow School of Artで修士を取得しました。 彼女は、Glasgow Sculpture StudioでのMFA修士フェローシップの受賞者であり、スコットランドのアート・カウンセルなどからグラントも受け取っています。



Risa Tsunegi’s work draws inspiration from the American Minimalist movement of the Sixties and Seventies and makes direct references to Post-abstract Expressionist aesthetics. Similarly to many Abstract Expressionist and Post-abstract Expressionist artists, her pieces display a rejection of the figure and focus on the physiology of shapes and forms. Her preoccupation with form, weight, and gravity and the sculpture’s experience as a mean to section architectural spaces somewhat recall of the works of the American sculptor Richard Serra. In contrast to Serra, though, much of Tsunegi’s work centralizes on surprise and deception. What you see is never what you get.Tsunegi is a master illusion maker. Her sculptural work Girder (2009), for example, showcasing some 500 cm long girder (steel construction beam) in a gravity defying composition, seems impossible – standing on a single edge, stretched upwards towards the ceiling with no support, tilted in space; it evokes the works of a magician. The heavy steel beam seems to be frozen in action, like a still from a movie documenting its fall. There is no visual clue how Tsunegi managed to suspend it in time and space. Not even a close inspection can reveal the entire sculpture is made of foam, meticulously shaped and finished to resemble steel, where the only edge that makes contact with the cement floor extends underground to support the awkward installation.Similarly fashioned is her piece Drips (2010), steel structure with paint drips. The pink paint drips dangle from the metal frame as if dried just before they dropped to the ground. Again, only scrupulous observation would reveal that what appears to be paint at first look is painstakingly sculpted sponge, fixed to the metal structure. 


Looking at Tsunegi’s work always inspires awe. When she’s not deceiving the viewer she cleverly divides spaces, often forcing the viewer to examine the surroundings in a specific predetermined method. It’s as if she takes pleasure in making the spectator experience the space the way she pre-resolved – performing for her, compelling the viewer to reconsider the architecture of the environs, paying attention to the structural details of the space.


In dwam, Tsunegi’s exhibition at The Container, is a site-specific installation, a deliberation of the shape and size of the actual container that expertly combines both her interests as a sculptor – the renegotiation of spaces and the creation of illusions. The installation consists of two pieces Wall dance (2015), a large mixed media wall-like structure intervened by a column and Attachment (2015), a small sculpture suspended from the ceiling.


Wall Dance (approx 170 x 120 x 17 cm) is a constructed tiled wall with a column piercing through its centre that extends from the ceiling of The Container. At first view the sculpture seems to stretch to the back wall of the space and appears to be made from plaster. Closer inspection reveals the wall curves towards the back and invites the viewers to walk around it to reveal a foam construction that is covered with hand-made plaster tiles. It beautifully sections the space and the back of the structure, with its unfinished quality, stands in contrast to the carefully formed front view. What appears to be a solid and heavy construction reveals itself to be a light and fake structure – like a movie set assembled to create an allusion.


Attachment (approx 25 x 5 x 120 cm) is a cast-like formation of cords extending from the ceiling to echo the pipes that are fixed on the cement wall that make up the permanent structure of The Container. This smaller piece is creating a dialogue with the larger sculptural work and reinforces the architecture of the exhibition space. 


Risa Tsunegi is a Japanese artist, born and raised in Gunma. She has received her Bachelor’s of Fine Arts from the Chelsea College of Art and Design in London, England and her Master of Fine Art from the Glasgow School of Art in Scotland. She is the recipient of the Glasgow Sculpture Studios MFA Graduate Fellowship supported by the Gordon Foundation and the Hope Scott Trust (2009), as well as awarded Creative and Professional Development Grant, Scottish Art Council (Arts Trust Scotland, 2010) and a grant from Creative Scotland in 2011. She currently resides in Tokyo.


 


 


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